最底辺で花開く、女性たちの自分らしさ—

『バトゥ・バラジュイク』って西スマトラの伝統舞踊らしいけど、この作品になぜこの舞踊の技法が選ばれたの？

西スマトラの伝統舞踊『バトゥ・バラジュイク』の回転と重心移動という技法が選ばれた背景には、おそらく「身体で『絡み合ったしがらみ』から抜け出す動き」を直感的に表現できるからではないでしょうか。 回転という動作は、その性質上、一点に縛られた状態から解放される過程を身体で示すことができます。また重心移動は、不安定さから安定へ、あるいはその逆を繰り返す——つまり、揺らぎながらも前に進む人生の歩みを表現するのに適しています。 さらに考えると、地域固有の伝統舞踊を引用することで、個別具体的な文化的文脈を作品に与えている。インドネシア映画『パングク』の世界観を舞踊化するうえで、西スマトラという土地の身体文化そのものが、その地に生きた女性たちの歴史と重なっていく。技法選択は、同時に「この女性たちが息づく世界」を舞踊に織り込むための選択でもあったのかもしれません。

社会的な役割に縛られながら自分らしさを探す——これって、インドネシアの女性だけの話じゃなくて、日本で生きてる人にも引っかかる何かがあるってこと？

社会的な役割に縛られるというのは、ジェンダーや地域を問わずに起こってる構造的なものなんですよね。だから作品が「インドネシア」という舞台を選びながらも、普遍的に響くんだと思います。 ただ形は違う。インドネシアでは『パングク』が映す貧困や家族制度による直接的な束縛が顕著なのに対して、日本では「母親らしくあるべき」「女性らしい働き方」みたいな目に見えない期待値に絡み取られることが多い。こちらも糸で絡まっているのと同じなんですけど、自分がそれに気づきにくい分、厄介かもしれません。 興味深いのは、作品が「最底辺だからこそ解放される」と言ってるところです。これは逆説的ですが、失うものがなくなったり、社会的なステータスの重さから一度降りたりするときに、初めて「本当は何がしたいのか」が見える、ということなのかもしれません。日本でも、人生の谷間にいる人ほど、むしろ自分に誠実になれるという経験は、珍しくないのではないでしょうか。

この作品がインドネシアの映画『パングク』から着想を得たってあるけど、今なぜこのタイミングでそれを舞踊化する必要があったの？

振付者自身が「幼少期に母を失った一人娘」という経験を持っていることが大事なポイントだと思うんです。映画『パングク』が映す女性たちの現実——社会的な束縛の中で自分を失いかけている状態——が、その個人的な喪失体験と重なったのではないか。つまり、この作品は映画から「借りてきた」題材ではなく、自分の内部にずっとあった問い「何が失われたのか、何をどう取り戻すのか」を、他者の物語を通じて身体で問い直す行為なのかもしれません。舞踊という形式を選んだのも、その理由がありそう。映画では「見せる」ことができる社会的な圧力やジェンダー的な制限を、舞踊なら「内側から感じさせる」ことができます。頭に巻きつけた糸、髪に編み込んだ石といった細部は、観客の身体にも無意識のうちに共鳴するような仕掛けになっているんじゃないでしょうか。個人的な痛みと普遍的な問題が交差する時期だから、そのタイミングが今だったのだと言えそうです。

『最も暗い時だからこそ本当の自分が見える』って、これって苦しみを経験することが必要だっていう考え方？それとも、絶望的な状況の中でこそ虚飾が剥がれ落ちるってことなの？

両方を含みながらも、少し違う層があると思います。 苦しみが「必要悪」だから見える、という話ではなく、むしろ社会的な期待や役割という外部からの圧力が最も強く作用している限り、本来の自分は隠され続けるということなのかもしれません。 この作品で言う「最底辺」は、単なる経済的な貧困ではなく、社会的な地位や役割が最も軽んじられ、守るべき見栄や体裁がもはや意味をなさない状態を指しているのでは。そういう圧力から解放された時、初めて「自分の選択」が生まれる。虚飾が剥がれるというより、虚飾を保つ理由そのものが消えるんです。 西スマトラの伝統舞踊の技法を取り込みながら、頭の糸と髪の石という象徴を使う。この作品は「苦しい時期を『超越する』」のではなく、「苦しい時期の中でこそ、はじめて自分たちの意志が動き始める」という構造を見せようとしているように思えます。 つまり、苦しみ自体が解放をもたらすのではなく、苦しみによって社会的な抑圧が極限まで薄れた状態で、やっと自分たちの身体と言葉が本当に自分のものになるということなのかもしれません。

女性たちが『自分たちの人生という詩を自ら紡ぐ主体』になるって描き方があるけど、その過程で誰かに支えられたり、助けられたりする側面は、この作品ではどう表現されてるの？

記事に直接書かれた舞踊表現としては、その側面は明示されていないですね。ただ、作品の構造を見ると、むしろ逆かもしれません。 振付者自身が「幼少期に母を失った一人娘としての経験」をこの作品に織り込んでいる。つまり、支えられることなく生きざるを得なかった現実が、この作品の根にある。頭に巻きつけた糸が「絡み合ったしがらみ」で、髪に編み込んだ石が「希望を育てる忍耐」というのは、自分の力だけで堪え、育てていくしかなかった状況を象徴しているのかもしれません。 5人のダンサーが同時に身体を動かすのも、ひとりぼっちではないという視覚的な安心感を与えつつも、各々が自分の重心を動かしていく。つまり誰かに頼るのではなく、同じ苦しさを抱えた者たちが、並行線で生きていく強さを表現している可能性がある。社会的な救済や男性的な支援を待つのではなく、女性たち自身が相互に存在することで、その存在そのものが力になるという構想なのかもしれません。